Der rumänische DJ und Produzent Cosmin TRG hat seine Underground-Single „In Your Body“ erneut veröffentlicht. Zehn Jahre nach der Originalveröffentlichung erscheint eine bearbeitete Version namens TwentySix Mix, die ebenfalls auf seinem Label Sportive veröffentlicht wurde. Unter seinem richtigen Namen Cosmin Niculae war er in den letzten Jahren vor allem als Filmemacher tätig, doch mit dieser Veröffentlichung richtet er sein Augenmerk nun verstärkt auf die DJ-Konsole. Berliner By Choice verrät uns in diesem Interview, wie der Track entstanden ist
Die offensichtlichste Frage ist natürlich: Woher kommt diese bezaubernde Stimme, die alle Tänzer anspricht?
Die Stimme ist so gesampelt und neu arrangiert, dass ich die Quelle nicht nennen darf, aber sie symbolisiert eine Ikone: Schauspielerin, Aktivistin und eine inspirierende Figur seit Jahrzehnten.
Die 2016er Version ähnelt dem brandneuen „TwentySix Mix“, aber der neue Mix ist viel druckvoller, schneller und treibender. Welche Parameter haben Sie beim Mischen nach zehn Jahren verändert?
Vor zehn Jahren wurde Techno im gemächlichen Tempo von 128 BPM gespielt. Ich habe so viel 90er-Jahre-Techno gespielt, dass ich ihn verlangsamen musste, um in den Mix zu passen. Heutzutage ist das Gegenteil der Fall und das Mischen von Tracks, die auf ein bestimmtes Tempo ausgelegt sind, ist eine interessante Herausforderung. Ich denke, BPM ist nicht etwas, das man nach oben oder unten zieht, um Tracks miteinander zu verbinden. Man muss den Groove respektieren – auch den Raum zwischen Beats, Klängen oder Stillen. Vor diesem Hintergrund habe ich den Originaltext des Titels übernommen und ihn neu gestaltet, um dem Geist des Originals treu zu bleiben. Ich habe einige Geräusche mehr oder weniger hervorgehoben, weil man in den subtileren Elementen des Ohrs eine andere Energie entdecken kann.
Der allgemeine Begriff ist auch viel definierter und gleichzeitig klangvoller. Wie platzieren Sie bestimmte Elemente in der Mischung, um ein reichhaltiges Panorama und Raumgefühl zu schaffen?
Ich stelle mir gerne vor, dass ich in dem Raum bin, in dem die Musik spielt. Schon in jungen Jahren, als ich als Kind Musik hörte, war ich fasziniert von dem Raum, den Musik schafft – dem Panorama, der Schichtung der Klänge – und ich versuche, ihn jedes Mal, wenn ich singe, intuitiv nachzubilden. Meine ersten Erfahrungen mit elektronischer Musik in einer Live-Umgebung habe ich in Lagerhallen gemacht, daher wird mir diese Art, einen Titel zu erleben, für immer in Erinnerung bleiben. Wenn ich Musik komponiere und sie dann mische, versuche ich mir diesen Raum voller Klangblöcke vorzustellen. Die Kickdrum bildet die Basis, das Fundament, den Kern dieses Raumes. Darüber liegen die perkussiven Klänge, nach ihrer Tonalität geordnet. Andere Wörter bewegen sich frei um sie herum, um den Raum zu füllen und alles zusammenzuhalten. Es ist kein sehr technisches Detail, aber die Visualisierung hilft mir, kreativer zu sein, ohne über zu viele Zahlen und Parameter nachdenken zu müssen.
Welche Produktionstechniken haben Sie in den zehn Jahren seit der Veröffentlichung von „In Your Body“ gelernt?
Wenn es um Komposition und Mischung geht, greife ich immer noch auf die Grundlagen zurück – die ich wahrscheinlich vor über 20 Jahren durch praktische Erfahrung gelernt habe. Ich hatte das Glück, in den letzten Jahren an Projekten außerhalb der Clubmusik beteiligt zu sein, und dies hat meine heutige Herangehensweise an die Musik tiefgreifend beeinflusst. Als ich an der Musik für das Theater arbeitete, musste ich den Veranstaltungsort sehr sorgfältig berücksichtigen: Musik, die für eine Aufführung in der Komisse-Oper in Berlin komponiert wurde, klang im Freilichttheater Teatro Greco in Syrakus ganz anders. Ich bin kein Akustikexperte, habe aber gelernt, musikalische Absichten intuitiv an Bühnenbewegungen anzupassen. Ich habe gelernt, mich an Veränderungen anzupassen und nicht an ursprünglichen Ideen festzuhalten: Am Ende der Probe wird sich fast alles ändern und man muss sein Ego vor der Tür lassen. Es macht auch Spaß, sich die Produktionstechniken anzuschauen, die Poemistry auf ihrem Instagram-Account beschreibt, und ich versuche, auf CDM.link über alles auf dem Laufenden zu bleiben.
In einem aktuellen Interview haben Sie von einem goldenen Zeitalter in den frühen 2010er Jahren gesprochen, in dem viele Techno-Tracks sehr deutlich und lyrisch klangen – ein Konzept, dem Sie in Ihrer Arbeit zu folgen scheinen. Wie schafft man es, diesen besonderen Momenten, die in statischem, sich wiederholendem Techno-Material stecken, Leben einzuhauchen?
Ich sehe diese Ära immer noch als eine Zeit großer Kreativität, vielleicht weil die Künstler aus unterschiedlichen musikalischen und kulturellen Hintergründen kamen und zuvor unterschiedliche Musikgenres geschaffen hatten. In meiner Musik versuche ich, so spontan wie möglich zu sein: gleichzeitige Aufnahme, Live-Automatisierung, Verwendung von Sounds und Ideen aus anderen Musikgenres und generell eine lockere und dynamische Struktur des Tracks.
Wie haben Sie das Rolling-Hi-Hat-Muster erstellt?
Dies ist ein sehr einfaches Muster mit einem logischen Shuffle, das den Musterrillen von Ableton hinzugefügt wird. Die größte Herausforderung besteht darin, aus den Millionen verfügbaren Exemplaren ein geeignetes Muster auszuwählen und sich dazu zu verpflichten …
Wie haben Sie den stechenden Synthesizer geschaffen, der den Low-End-Groove des „TwentySix“-Mixes dominiert?
Es wurde auf U-he Bazille gemacht, der einen tollen, durchdringenden Sound hat und den ich auf vielen Tracks verwende.
Mit welchen Werkzeugen erschaffen Sie Synthesizer, Bässe und Effekte auf so hypnotische und treibende Weise, dass sie die Monotonie überwinden?
Ich bin ein großer Fan der Tools von Fors.fm – sie sind wirklich moderne Tools für Max, die den Sequenzen Unvorhersehbarkeit und Spaß verleihen. Ich verwende außerdem Manifest Audio sowie Produkte von Melda Productions und Unfiltered Audio. Ich liebe es immer noch, durch Reaktor-Patches zu stöbern, um einzigartig klingende Effekte oder Synthesizer zu finden, die von talentierten Sounddesignern erstellt wurden. Ich habe mich auch eine Zeit lang für modulare Synthesizer interessiert, aber das passte nicht ganz zu meiner launischen Natur – ich würde wieder damit anfangen, wenn sich meine Philosophie ändern würde.
Wie haben Sie Ihre Hauptkette von 2016 bis heute verändert?
Dies hat sich von der Verwendung von Limitern und Kompressoren zu der Verwendung von absolut keinem Gerät in der heutigen Zeit geändert. Ich habe den Master von Anfang an auf -6 dB eingestellt und auf diesem Pegel komponiert. Wenn meine Ohren dann müde werden und ich einen Schub brauche, täusche ich meinem Gehirn vor, ich sei ein großartiger Ingenieur, indem ich den Wert auf 0 stelle.
Was sind Ihre Veröffentlichungspläne für den Rest des Jahres und 2027?
Danke für die Frage! Später wurde Musik veröffentlicht, die ich für das Theater und mein Label Physique komponiert hatte, sowie anderes Dancefloor-Material für Sportive. Es wird auch eine reine Vinyl-Veröffentlichung geben, die ich unter meinem Pseudonym Tam Neesum für das neue Label von Jenna Fat Plastic herausbringen werde. Dann gibt es noch mehrere Platten, die ich zusammen mit meinem Freund DYL, einem sehr talentierten und produktiven Produzenten aus Rumänien, unter dem Pseudonym TRYL veröffentlichen werde. Dieses Material lässt sich nicht leicht kategorisieren, es ist abstrakt, experimentell im 170-BPM-Bereich. 2027 werde ich außerdem an meinem ersten Spielfilm als Autor und Regisseur (der mich nachts wach hält) und einer Dokumentation arbeiten. Da derzeit so viel um uns herum passiert, möchte ich mich darauf konzentrieren, der Welt etwas Gutes zu bringen.
Die EP „In Your Body (TwentySix Mix)“ ist mit drei weiteren Tracks bereits über Sportive erhältlich.
aus FAZEmag 176/10.26
Foto von : Caris House
www.cosminnicolae.com