Daniel Knotts Bezugspunkte sind weit und breit: seine Kindheitserinnerungen an den Lake Merritt in Oakland, die East Bay und die Dominikanische Republik. Indigo Child vereint sie musikalisch auf seiner neuen EP „Memories“, die am 25. September bei Waveform Entertainment erscheint. Nach dem düsteren Clubsound von „Throttle Therapy“ treten Soul, R&B und warme House-Grooves in den Vordergrund. Dahinter steckt eine intensive Beschäftigung mit vergangenen Jahren, aber auch die Frage, wie viel Raum Erinnerungen eigentlich einnehmen sollen. Im Interview spricht Knott über seine dominikanischen Wurzeln und die Bay Area, musikalische Ideen aus klaren Träumen, seinen bewusst reduzierten Studio-Workflow und warum er mit dem nächsten Kapitel beschäftigt ist: Indigo Child soll in Zukunft mehr aus dem Studio auf die Bühne gehen.
Daniel, du betrachtest jede Veröffentlichung als Spiegelbild eines bestimmten Kapitels in deinem Leben. Welches Kapitel spiegelt „Erinnerung“ wider?
„Erinnerung“ stellt mein aktuelles Kapitel dar – eine Phase, in der ich viel über alles nachgedacht habe, was ich bisher erlebt habe. Manche Erinnerungen machen mich glücklich, andere sind traurig oder melancholisch: weil manche Menschen oder Momente nie wiederkommen können oder weil es Erlebnisse gab, die ich gerne ändern oder anders erleben würde. Letztendlich erinnert mich das Projekt daran, nach vorne zu schauen, aus der Vergangenheit zu lernen und gleichzeitig im Hier und Jetzt zu leben.
Im Vergleich zum düsteren Club-Fokus von „Throttle Therapy“ – dem Vorgänger eurer neuen EP – bringt „Memory“ mehr Soul- und R&B-Einflüsse mit. Wie kam es zu diesem Wechsel?
Ich bin in der Dominikanischen Republik aufgewachsen und war von vielen kulturellen Traditionen, Instrumenten, Rhythmen und Zeremonien umgeben. In letzter Zeit achte ich mehr auf meine Wurzeln und verbinde mich mit dieser Seite meiner Herkunft. Ich wollte, dass es sich in wärmerem, gefühlvollerem Material widerspiegelt und so einen wichtigen Teil meines Lebens, meiner Identität und meiner Kindheit hörbar macht.
Der Titel „East Bay“ klingt vom Namen her wie eine sehr direkte Anspielung auf Ihre Nachbarschaft. Wie bewusst versuchst du, Räume in deiner Musik einzufangen?
Für mich ist meine Musik ein öffentliches Tagebuch und Soundtrack meines Lebens und meiner Gefühle. Ich lasse mich ganz bewusst von meiner Umgebung inspirieren, und das kann sich auf ganz unterschiedliche Weise zeigen. Bei der „East Bay“ waren es speziell die Kultur und die Menschen dort. Die East Bay hat innerhalb der Golfregion eine eigene Identität. San Francisco erhält die meiste Aufmerksamkeit, aber für mich ist die East Bay einer der wenigen Orte in der Region, an denen die ursprüngliche Kunst, Kreativität und Kultur der Bay Area noch immer tief verwurzelt ist. Genau das wollte ich würdigen.
Sie sagen, dass es Sie traurig macht, zu viel in der Vergangenheit zu leben, aber zu viel in der Zukunft zu leben macht Sie ängstlich. Wie finden Sie die Balance zwischen ihnen?
Ausgeglichenheit entsteht für mich dadurch, dass man die eigenen Erfahrungen wertschätzt und dennoch bewusst voranschreitet. Ich versuche, nicht zu lange in der Vergangenheit zu verweilen oder an vergangenen Erfolgen festzuhalten. Andernfalls verliert man leicht die Motivation und konzentriert sich auf das nächste Kapitel. Ich höre selten Musik, die ich bereits veröffentlicht habe. Ich bin von Natur aus vorausschauender. Obwohl dieses Projekt abgeschlossen ist und auf die Veröffentlichung wartet, arbeite ich bereits am nächsten. Ich kann die Vergangenheit schätzen, ohne dort zu leben.
Sie haben darüber gesprochen, wie sich mit ADHS verbundene Merkmale in kreative Energien verwandeln können. Wie sieht das im Studio aus?
Für mich mag es wie eine Supermacht klingen. Mein Kopf ist von Natur aus etwas unberechenbar, aber dadurch kann ich mich in kurzer Zeit sehr intensiv auf verschiedene Teile des kreativen Prozesses konzentrieren. Für Außenstehende mag es chaotisch wirken, da ich schnell zwischen Ideen, Sounds, Drums und Arrangements wechsle. Gleichzeitig kann ich in einer Sitzung viel erreichen. Dadurch denke ich weniger linear. Mein Verstand stellt möglicherweise unerwartete Verbindungen her und lässt so mehr Raum für Ideen, die möglicherweise nicht aus streng strukturierten Prozessen hervorgehen. Mit der Zeit habe ich gelernt, diese Denkweise zu nutzen, anstatt dagegen anzukämpfen.
Wie soll sich das nächste Kapitel von „The Indigo Child“ anfühlen?
Im nächsten Kapitel geht es vor allem um Live-Erlebnisse. Es ist mir wichtig, beim Spielen von Shows konsequent zu sein, ebenso wie beim Produzieren und Veröffentlichen. Ich möchte Menschen persönlich treffen, die Welt bereisen, Fans treffen und ein Live-Erlebnis schaffen, das sich unvergesslich und persönlich anfühlt. Für 2027 sind drei weitere EPs geplant. Die Musik wird also weitergeführt, allerdings soll in Zukunft mehr Wert auf echte Begegnungen gelegt werden. Ich habe viel Zeit in die Erstellung des Katalogs und meines Sounds gesteckt. Jetzt möchte ich diese Welt in die Realität umsetzen und gemeinsam mit Menschen erleben. Für mich ist dies die natürliche nächste Weiterentwicklung von Indigo Child.
„Smriti“ wurde am 25. September über Waveform Entertainment veröffentlicht.
aus FAZEmag 176/10.26
instagram.com/theindigochild