Am 23. Oktober 2026 bringt die Veranstaltung „Half Light“ in der Berliner Bettenhalle Künstler zusammen, die an der Schnittstelle von Ton, Bild und Wahrnehmung arbeiten. Dieser Abend bietet eine zusammenhängende audiovisuelle Reise, von experimentellen Tonbandsounds über immersive A/V-Kompositionen bis hin zu riesigen Drohnenlandschaften.
Wir haben Rafael Anton Irisarri aus den USA und Abul Mogard aus Italien zu einem Interview gebeten, um uns zu erzählen, was das Publikum heute Abend erwarten kann.
Halblicht
23. Oktober, Einlass: 19 Uhr
Silent Green, Bettenhalle, Berlin
Aufstellung: Abul Mogard, Marza de Sanctis, Rafael Anton Irizarry, Concepcion Huerta
Tickets: www.eventim.de/event/half-light-abul-mogard-marja-de-sanctis-silent-green-betonhalle-22003057
„Half Light“ ist als Abend konzipiert und nicht als eine Reihe separater Sets mit einem konsistenten Erzählbogen. Verändert die Einbettung in eine größere dramatische Struktur Ihre Perspektive und wie bereiten Sie sich darauf vor?
Abul: Wir betrachten es als ein nahtloses Erlebnis für das Publikum und arbeiten am Set unter diesem Gesichtspunkt. Concepción Huerta wird den Abend mit einem experimentellen Set mit Tonband und Tonbandmanipulation eröffnen, gefolgt von Rafael Anton Irisarri, der sein neues Solo-Set vorstellt, bei dem seine Gitarre und die Art und Weise, wie er die von ihr erzeugten Klänge manipuliert, im Mittelpunkt stehen. Erwähnenswert ist auch, dass Raphael schon seit geraumer Zeit kein Solo mehr in Berlin gespielt hat.
Marja de Sanctis und ich werden dann eine audiovisuelle Performance präsentieren, die auf meinem Album „Quiet Pieces“ und der Live-Performance, die ich rund um dieses Album erstellt habe, basiert. Marja war von Anfang an in das Projekt involviert, entwarf das Albumcover und arbeitete an allen audiovisuellen Shows, einschließlich Berlin Atonal 2017. Für „Half Light“ bringt er seine Bilder auf eine neue Art und Weise in die Musik ein und fügt dem Erlebnis eine weitere Ebene hinzu. Dies ist das erste Mal, dass wir das Werk in dieser besonderen Form präsentieren.
Abul: Der Veranstaltungsort prägt den Auftritt ganz wesentlich. Die Akustik ist wahrscheinlich der wichtigste Faktor, der die Art und Weise beeinflusst, wie wir Musik präsentieren, und wir versuchen stets, den Raum und sein Soundsystem optimal zu nutzen.
Aber die Atmosphäre ist genauso wichtig und hängt stark von den Leuten ab, die zur Show kommen. Das Publikum strahlt eine gewisse Energie aus, die eine Aufführung stärker beeinflussen kann als der Raum selbst. Es ist wirklich unvorhersehbar und das macht Live-Auftritte so interessant. Wir werden sehen, was passiert, wenn es konkret wird.
Raphael: Architektur hat meine Arbeit im Laufe der Jahre beeinflusst. „Facadismos“ zum Beispiel wurde teilweise von der brutalistischen Architektur inspiriert – mit ihren rohen Materialien, exponierten Strukturen und physischer Masse. Ich sehe da einen Zusammenhang mit der Art und Weise, wie ich Gitarren, Verzerrungen und Klangebenen verwende. Es gibt auch eine praktische Seite. Da ich den Großteil meiner Arbeit als Tontechniker verbringe, bin ich mir der Auswirkungen unterschiedlicher Räume auf den Klang sehr bewusst. Anhaltende Töne, tiefe Frequenzen und dichte Obertöne verhalten sich in jedem Raum unterschiedlich. Ich schreibe ein Set nicht speziell für einen bestimmten Raum um, aber ich passe die Menge an Dynamik, Überlagerungen und manchmal auch Stille an. Zu wissen, wann man die Taste gedrückt halten muss, ist genauso wichtig wie zu wissen, wann man den Ton verstärken muss.
Ihre Musik lebt von Langsamkeit, Wiederholung und Resonanz. Wie würden Sie ihn in einem Satz beschreiben und was erwartet das Publikum?
Abul: Musik kann hypnotisch sein, und unser Ziel ist es, den Zuhörer an einen bestimmten Ort zu entführen – der für jeden anders ist – und ihn dort eine Weile verweilen zu lassen.
Raphael: Für Half Light spiele ich Musik von „Points of Accessibility“ auf einer Gitarre, die ich speziell für das Spielen mit einem Bogen modifiziert habe. Es erzeugt subtile, fast celloartige Klänge, die sich nach und nach zu massiven Klangwänden aufbauen. Es ist eine sehr körperliche, ausdrucksstarke Art zu spielen und ich freue mich besonders, dieses Set nach Berlin zu bringen, da ich hier seit so vielen Jahren nicht mehr alleine gespielt habe.
Ihr habt bereits gemeinsam Musik gespielt und produziert. Wie kamen Sie zur Zusammenarbeit und was haben Sie geschaffen, was Sie alleine nicht erreichen könnten?
Abul: Unsere Zusammenarbeit begann nach einem Doppelkonzert in Madrid im Jahr 2023. Wir spielten beide wie bei Half Light unsere eigenen Sets und wurden dann gebeten, als Zugabe ein letztes Stück gemeinsam aufzuführen.
Die Planung und Aufführung dieses langen Stücks hat uns großen Spaß gemacht und da das Konzert für eine Radioübertragung aufgezeichnet wurde, konnten wir es uns später noch einmal anhören. Uns wurde klar, dass die Platte Teil eines gemeinsamen Albums werden könnte, und am Ende war sie tatsächlich ein Teil unseres ersten gemeinsamen Albums, Impossably Distance, Impossably Close.
Seitdem stehen wir in regelmäßigem Kontakt und haben viele Konzerte zusammen gespielt. Ich denke, das Interessante an unserer Zusammenarbeit ist, dass wir trotz unterschiedlicher musikalischer Hintergründe ähnliche Klangansätze haben, die sich natürlich ergänzen. Wir hören einander viel zu und reagieren auf das, was der andere tut, und das führt die Musik oft an Orte, die keiner von uns alleine gefunden hätte.
Raphael: Was mich an diesem ersten Auftritt in Madrid wirklich beeindruckte, war, wie natürlich sich das Ganze anfühlte. Normalerweise habe ich eine sehr klare Vorstellung davon, was ich will, wenn ich alleine arbeite, daher war ich überrascht, wie einfach es für mich war, diese Idee loszulassen, als ich mit Guido zusammenarbeitete. Ich arbeite die meiste Zeit alleine – ob beim Komponieren oder Mastern – und das bedeutet, dass ich jede Entscheidung selbst treffe. Die Zusammenarbeit mit Guido ist eine ganz andere Erfahrung. Das Selbstvertrauen ist groß und keiner von uns scheint besonders darauf bedacht zu sein, Platz einzunehmen oder seine eigenen Beiträge hervorzuheben. Es gibt mir die Freiheit, Risiken einzugehen, über die ich sonst vielleicht zu viel nachdenken würde. Während unseres Aufenthalts im Morphiumzimmer in Berlin, wo wir an „Where the Light Stops in the Silence of the Sun“ arbeiteten, gab es Momente, in denen ich nicht wirklich unterscheiden konnte, welche Worte meine und welche seine waren. Ich liebe das. Das Interessante daran ist, dass zwei anerkannte Künstler nicht nebeneinander zu hören sind. Dies ist der Moment, in dem sich diese unterschiedlichen Handschriften aufzulösen beginnen.
In welcher musikalischen Tradition sehen Sie sich? Welche Künstler haben Ihre Arbeit beeinflusst oder beeinflussen sie weiterhin? Und welche Einflüsse und Inspirationen sind generell für Ihre Arbeit wichtig?
Abul: Mein musikalischer Hintergrund war nicht besonders in der experimentellen Musik verwurzelt. Ich bin in den 1980er Jahren in Italien aufgewachsen und habe dort italienischen Pop gehört, der damals ziemlich elektronisch war und mein Interesse an Synthesizer-Sounds sowie an allem, was im Fernsehen populär war, und den Platten, die meine Eltern spielten, weckte. Meine Mutter liebte Frank Sinatra und Sergio Mendes, während mein Vater klassische Musik hörte, insbesondere Beethoven.
Mein Interesse an experimenteller Musik entwickelte sich allmählich, angefangen bei Pink Floyd, insbesondere Richard Wright, der einen großen Einfluss auf mich hatte. Später entdeckte ich deutsche elektronische Musik durch Tangerine Dream und Klaus Schulze sowie Ambient-Musik durch Brian Eno und Ephesus Twins „Selected Ambient Works Volume II“. Ein Freund machte mich später mit Coil bekannt. Mein Musikgeschmack war ziemlich vielseitig und als ich etwa 20 war, interessierte ich mich wirklich für Metal. Viel später entdeckte ich Ilian Redigue, Bernard Parmegiani und Pauline Oliveros, insbesondere ihre „Deep Listening“-Aufnahmen.
Ich sehe mich nicht als Teil einer bestimmten Musiktradition. All diese Einflüsse haben die Art und Weise geprägt, wie ich zuhöre und mit Klang umgehe, auch wenn meine Musik ihnen nicht unbedingt ähnelt.
Raphael: Ich bin mit Metal und Punk aufgewachsen und habe mich später als Teenager für Dub, Shoegaze und minimalistische Musik begeistert. Besonders wichtig waren mir Arvo Pärt, My Bloody Valentine, The Orb, Cocteau Twins und Harold Budd. Dub lehrte mich, das Studio als Instrument zu sehen, während Shoegaze mir die Möglichkeit eröffnete, die Gitarre als Quelle klanglicher Textur statt als traditionelles Instrument zu nutzen. Die physische Intensität von Metall verlässt mich wirklich.