Zehn Jahre Freundschaft, vielfältige musikalische Wurzeln und der gemeinsame Wunsch, über die Grenzen etablierter Genres hinaus über elektronische Musik nachzudenken: Mit Phlogist schlagen Marco Bruno und Velvet May ein neues künstlerisches Kapitel auf. Ihr zehn Titel umfassendes Debütalbum auf Evgate Records vereint Trip-Hop, Post-Punk, Industrial und Breakbeat zu einer komplexen, fast filmischen Klangwelt. Am 1. November feiert das Berliner Duo seine Live-Premiere in der Kantine am Berghain – mit einem Auftritt, bei dem Musik, Film und bildende Kunst zu einer gemeinsamen Erzählung verschmelzen.

Manchmal dauert es Jahre, bis aus einer gemeinsamen musikalischen Idee etwas Konkretes entsteht. Im Fall von Flowgeist waren es sogar zehn. Die Freundschaft zwischen Marco Bruno und Velvet May reicht weit zurück und sie tauschten stets Ideen über ihren jeweiligen musikalischen Werdegang und ihre persönlichen Vorlieben aus. „Letztendlich geht es um Neugier und Entdeckung. Für uns ist Musik eine gemeinsame Sprache, die es uns ermöglicht, Dinge auszudrücken, die keiner von uns alleine sagen konnte. Unsere Geschichte reicht zehn Jahre zurück, lange vor der Freundschaft eine weitere Zusammenarbeit. Das Album war innerhalb weniger Monate fertig.“ Beide haben eine umfangreiche musikalische Vergangenheit. Marco Bruno hat auf Helena Hoffs Return to Disorder, James Ruskins Blueprint und dem Label von Ben Sims veröffentlicht. Er betreibt auch seine eigene Plattform, Evgate Records. Als Live-Performer, Sänger und Produzent bewegt sich Velvet May zwischen industriellen Klangtexturen, experimenteller Elektronik und rockiger Intensität. Zu seinen bisherigen Arbeiten gehören Veröffentlichungen auf Labels wie Veil, Tears on Waves und She Lost Control.

Für den Phlogiston geht es bei unterschiedlichen Hintergründen weniger um Konflikte als vielmehr um gemeinsame musikalische Freiheit. Daher ist es schwierig, ein Debütalbum einem bestimmten Genre zuzuordnen. „Freiheit des Ausdrucks war die Hauptantriebskraft hinter Flowgeist. Wir wollten uns von Emotionen leiten lassen und an einem Ort inspiriert bleiben, an dem nichts überdefiniert ist. Jeder von uns bringt bereits ein breites Spektrum an musikalischer Erfahrung und Geschmack mit. Dabei spielt das Konzept der elektronischen Musik als filmische Erzählform eine zentrale Rolle. Phlogiston versteht ihre Tracks nicht nur als Einzelkompositionen, sondern als emotionale Zustände, die sich während der Musik entfalten. „Es geht ums Storytelling. Bei einem Film muss man ihn vom Anfang bis zum Ende erleben. Man kann nicht einfach bis zum Ende springen. Deshalb lassen wir uns bewusst Zeit, bevor eine Idee das Studio verlässt. Jeder Track beginnt mit einer bestimmten emotionalen Grundnatur, wie man sie aus filmischer Sicht kennt: in Richtung Freude, Spannung, Nostalgie oder Katharsis. Wir wollen unsere Songs so schreiben, dass sie einfach nur zum Nachdenken anregen. Eine Geisteshaltung für Musik.“

Das erste Album durchläuft mehrere Phasen und behandelt Themen, die über rein musikalische Überlegungen hinausgehen. Auch Fragen der sozialen Beobachtung und Wahrnehmung der Realität spielen eine Rolle. „Das Album durchläuft verschiedene Phasen: Starrheit, Unglaube an das, was real oder inszeniert erscheint, und das Bedürfnis, etwas Flüchtiges zu nehmen und es zeitlos zu machen. Manche Tracks werden zum Protest gegen die Dinge, die unsere Gesellschaft ausmachen. Es gibt auch einen ständigen Wandel, in dem sich die Stücke ineinander verwandeln. Abseits der Musik sind wir durch unsere experimentellen Alben zu jahrzehntelanger Kunst und Kunstliebe gewachsen.“ Diese Kombination verschiedener Ausdrucksformen würde in Zukunft ein wesentlicher Bestandteil der Identität des Phlogistons werden. Dieses Projekt war von Anfang an nicht nur als musikalisches Duo konzipiert. Vielmehr verstehen die beiden ihre Zusammenarbeit als einen offenen künstlerischen Rahmen, der durch Begegnungen mit anderen Personen und Disziplinen wächst. „Wir sehen Phlogiston fast wie eine Zelle, die durch ihre Membran geht. Dieses Projekt war nie nur für uns beide gedacht. Ein großer Teil unserer Arbeit besteht also darin, Menschen zu finden, die gemeinsam mit jedem Künstler um uns herum etwas erschaffen und von ihnen lernen können. Es ist wirklich ein synthetisierter Ansatz: Wir hören eine Szene, bevor wir erläutern, warum wir eine einheitliche Sprache geschaffen haben. Eine andere, anstatt sie im Nachhinein hinzuzufügen.“

Wie diese Überlegungen in der Praxis aussehen, wird sich am 1. November zeigen. Dann feierten Flowgeist ihren ersten Live-Auftritt im Canteen im Berghain. Gleichzeitig war der Auftritt die erste Gelegenheit, die komplexen Studioarrangements des ersten Albums in einem Live-Konzerterlebnis zu erleben. Allerdings stellte die Übertragung der Musik auf die Bühne das Duo vor eine besondere Herausforderung. Während im Studio theoretisch unbegrenzte Zeit zur Verfügung steht, müssen Kompositionen bei einem Konzert innerhalb eines bestimmten Zeitrahmens veröffentlicht werden. „Wir haben die Bühne immer als Ausgangspunkt und Plattform für verschiedene Ausdrucksformen gesehen, nicht nur als Duo. Mit der Zeit wollen wir uns mit anderen Künstlern umgeben, die daran interessiert sind, mit uns neue Möglichkeiten des Live-Auftritts zu erkunden entstehen mit genau dieser Funktionalität.“

aus FAZEmag 176/10.26

Text: Triple P
www.instagram.com/flowgeistx